舞蹈表演中的“创造力”是表演者独特的能力。它源于个人天赋，但随着专业能力的积累、潜力的激发、造诣的提升而不断凸显。它不断与舞者的生活经历、文化意识、个性创造、精神气质相融合，逐渐形成独特的舞蹈表演。 ，和谐而又不同的艺术风格。关注和培养舞蹈表演者的创造力应该成为当前和未来舞蹈教学和表演的重要组成部分。
舞蹈艺术的魅力在于通过肢体语言展现作品的精神和美好内涵。舞蹈演员作为舞蹈作品的最终表演者，其创造力的发挥直接影响到作品艺术思想和创作理念的表达。一部优秀作品的诞生，不仅需要一个好的导演，更需要一个有“创意”的表演者来把控、控制、落实、处理好表演的宏观理念和微观细节，让导演的设计变得生动、生动。传染性。纵观近几年的舞蹈表演，特别是2023年举办的第十四届全国舞蹈展，艺术家创作了一大批优秀的舞蹈作品，总体呈现健康向上的发展态势，但仍存在典型性。形象不足、雷同，缺乏突出的表演个性，以及注重技术技巧、忽视艺术价值等问题，影响了舞蹈行业的健康发展。造成这种状况的一个重要原因是舞蹈表演人才缺乏“创造力”。
对于舞蹈表演人才来说，创造力就像营养物质与人体的关系。它不仅是生存的基本需要，也是补充营养、增强活力、促进发育的关键。一方面，舞蹈作品中的故事和情感表达要求表演者具备作品解读能力和创新的表现手法，在表演中加入自己的解读和创作，将舞蹈的内涵和情感呈现给观众。以个性化的方式，赋予舞蹈作品独特的艺术魅力和生命力；另一方面，舞者的创造力可以促进舞蹈艺术形式的创新和发展。创造力就像表演中的“引擎”，使舞者能够满怀热情地探索自己的生活体验，舞蹈语言的不断创新，使舞蹈作品的内涵更加丰富和深刻。
新中国第一代舞蹈表演艺术家用他们独特的创造力创造出一个又一个经典形象，为舞蹈表演做出了奠基性的尝试。这些形象今天在舞台上仍然充满活力。例如，舞蹈艺术家赵庆以充满激情的表演，成功塑造了民族舞剧《宝莲灯》中的“三圣母”形象，开创了民族舞剧表演的先河；舞蹈艺术家陈爱莲用抒情、细腻、规范、精致的演绎，塑造了古典舞蹈《春江花月夜》中灵活多变的少女形象，并留在了几代人的心中……这些作品的魅力经久不衰。正是艺术家从自己的生活经历中汲取的艺术养料。以自己独特的精神气质，对艺术进行个性化的探索，不断突破自我、审视自我、突破自我的成果。
舞蹈表演者的整个艺术生涯一般会经历三个阶段，即用身体跳舞、用大脑跳舞和用灵魂跳舞。在这三个阶段，创造力始终是培养舞蹈表演人才综合素质、挖掘其潜力的重要标准。用身体跳舞的第一阶段是指舞者从小在专业学校接受的训练。重点是规范舞者形体，使他们掌握风格、提高技巧、具备相关表演能力，逐步将他们塑造成初步的创作人才。有思想的艺术家。脑舞第二阶段是指在专业表演生涯阶段建立终生修养的目标。通过全面的艺术素养，实现从自我塑造到自由的艺术创作，形成专业表演者的艺术“闪光点”和“闪光点”。 “性格”。用灵魂舞动的第三个阶段是更高级的修养，是指舞者能够自由地运用艺术创作来表达世界观、人生观、价值观，这是艺术家的最终目标。例如，舞蹈艺术家訾华君不仅首演了20世纪中国舞蹈经典《飞天》、《孔雀舞》，还从更深刻、更广阔的艺术视角研究舞蹈，创造了“舞蹈生态”，填补了舞蹈基础。中国舞。出版了一系列有利于学科发展的专着和论文，加速了舞蹈学科的整体进步。作为中国非物质文化遗产保护的先行者，她主张尊重、保护、传承人类文化的多样性和创造力……她是一位真正用灵魂舞动的艺术大师。
创造力的培养是艰难而漫长的。补充创造力营养，首先要在提高“基本功”的同时解放身体。奠定基本功是保证身体自由创作的基础，但在表演创作中要“忘记”规章制度的约束，把“合法”的身体变成“不能”的表演，形成创作审美和解释。二是继续培育表演个性。作为一名教师，应该因材施教。在系统统一的教学中，要关注每个学生的特点，提取每个学生独特的气质，并对其进行强化、引导和保护。作为编舞者，我们应该从表演者的形体表征中探索深层的精神世界，根据他们的性格特点创作出适合他们个性的作品。这样，舞台上不同的作品才能有自己的美。作为表演者，应该明白自己的经历是独特的、不可替代的，珍惜并保护自己的艺术直觉，既不模仿别人，也不重复自己。三是全面锤炼创造力。表演者必须不断探索、挑战、尝试新的动作、新的形式、新的表达方式。要善于观察事物，丰富想象力，充分培养感知生活和情感的能力，激发个人创造力；善于通过影视作品、文学作品分析人物形象，建立舞蹈形象创作的思维逻辑；必须不断从文化基因中提取符合创作的审美元素并加以开发，以增加内在的精神储藏和知识储备。
舞者从展现身体的自然美成长为能够表达人类更高精神境界的艺术家。他必须把塑造“典型”的艺术形象作为毕生的艺术追求，始终以“创造性”的表达作为衡量自我、突破自我、检验自我的标准。
《光明日报》（2024年10月16日第16页）
